TEMA 6
Siglo XX -
Vanguardias Musicales
1. En el
arte, suele llamarse “vanguardia” a aquella tendencia o movimiento artístico
que busca incorporar elementos nuevos de manera experimental. Una de las
características principales de las vanguardias es su oposición (a veces
radical) a las formas vigentes.
2. La música
“clásica” del Siglo XX (culta, académica, erudita) presenta una gran diversidad
y continúa el proceso marcado por los movimientos de fines del Siglo XIX
(impresionismo, romántico tardío, nacionalismos). Se lleva así al ámbito sonoro
y musical, las teorías utópicas y revolucionarias que trataron de interpretar
un mundo en ebullición. Nunca se había visto semejante eclecticismo, confusión
y proliferación de escuelas. Las corrientes artísticas del Siglo XX se
opusieron y superpusieron, originando una gran creatividad.
3. •Rechazo
a la tonalidad •Gran variedad de estilos musicales •Ruptura con la tradición
histórica •Gran repercusión del disco, similar a la de la imprenta •Desarrollo
de los medios de transporte y comunicación •Mayor acceso a la música de otras
culturas •Pérdida de armonía entre el hombre y la naturaleza •Nada es
inviolable, todo puede ser cambiado
4. Las
innovaciones intentaron atraer a la audiencia hacia la nueva música. El
espíritu vanguardista se convirtió en propulsor del público, generando
detractores que reivindicaron épocas anteriores. Surge un cuestionamiento del
espíritu creador, se argumenta sobre su rebeldía o sometimiento ante las
demandas del público.
5. •Nueva
estética, la música no ha de ser necesariamente bella y armoniosa, sino
auténtica. La finalidad no es el placer sino la conmoción •Ruptura: tiene que
ser nuevo para ser válido, la música no se ata a reglas objetivas e
intemporales, sino que refleja la actualidad •La vanguardia es un movimiento
progresivo que se enfrenta a la rigidez, abriéndose a atrevidas innovaciones •A
diferencia de épocas anteriores, las tendencias y modelos cambian en forma
vertiginosa, progresiva e incesante
Arnold Schonberg (1874-1951) escribe en 1910 que “el arte es el
grito de socorro de quienes experimentan en sí mismos el destino de la
humanidad. De esta manera da vida a un nuevo lenguaje artístico musical en
sintonía con el Expresionismo, con una postura radical de contrastes y pasiones
que rayan la locura. La estética se vuelve contra la sociedad burguesa y
superficial, enferma de doble moral pero de apariencia agradable.
El
expresionismo musical desarrolla una técnica dodecafónica que canalizó el deseo
de organización, rompiendo con la jerarquía tonal. Se prohibía usar una nota
más que otra y se establecía una relación serial de los 12 sonidos existentes.
Alban Berg (1885-1935) fue uno de lo principales seguidores
de la teoría musical de Schonberg y así lo demostró en su extensa producción de
obras de todos los géneros utilizando las teorías de la escuela dodecafónica de
su maestro.
Hoy vamos a
escuchar una de las más importantes, la escribió pocos meses antes de su
muerte, ocurrida en 1935, por tanto no pudo escuchar jamás el resultado de su
trabajo y fue estrenada en abril de 1936 en el Palau de la Música de Barcelona.
El autor Alban
Berg nos dejaba uno de los conciertos para violín más cargados de lirismo y
expresividad que jamás se ha escrito, Berg dedicó el concierto a Manon, la hija
de Alma Mahler y su segundo esposo, el arquitecto Walter Gropius, fallecida con
tan sólo 18 años. Por esta razón le llamó “Concierto
a la memoria de un Ángel”.
El concierto
está construido sobre una serie
dodecafónica,. Sin embargo, la elección de la serie que hizo Berg, algo
contraria a los dictámenes de su maestro Arnold Schönberg, es una de las
razones por las que esta pieza se encuentra entre las obras dodecafónicas más
interpretadas y escuchadas en el mundo.
En efecto
Arnold Schonberg estableció las reglas
del dodecafonismo para evitar que cualquiera de las 12 notas de la escala
cromática tuviera una superioridad jerárquica sobre ninguna de las demás. Así,
además de respetar esas reglas, entre las que destaca la prohibición de volver a emplear una nota antes de que se hayan usado
todas las demás, avisaba sobre la necesidad de elegir una serie en la que
no aparecieran intervalos que evocaran la tonalidad (por ejemplo la quinta o la
cuarta justas).
Sin embargo
su discípulo, tras una introducción que empieza con las cuatro cuerdas al aire
del violín, tres quintas justas ascendentes, presenta una serie cargada de
referencias tonales:
Esta mezcla
de tonalidad y dodecafonía, lo que en aquel momento quería decir tradición y
modernidad, está hecha con suma sabiduría y gusto exquisito.
Además, en
un momento determinado aparece interpretado por la sección de viento madera un
coral de Bach, es un momento realmente sublime, El coral de Bach tiene el
siguiente texto que de alguna manera ispiró a Berg para hacer esta obra:
¡Oh
eternidad, tonante palabra!
¡Oh espada
que traspasa el alma!
¡Oh
principio sin fin!
Oh
eternidad, tiempo sin tiempo;
ante
tristeza tan grande
no sé a
dónde ir.
Tiembla mi
aterrorizado corazón
y mi lengua
se pega al paladar.
Es suficiente.
¡Señor,
cuando Tú quieras,
puedes
liberarme!
Mi Jesús
vendrá,
¡buenas
noches, mundo!
Me iré a la
morada celestial,
me iré con
seguridad y alegría,
mi gran
desolación ha quedado atrás.
Es
suficiente.
El resultado
lo podemos escuchar en el siguiente
ejemplo sonoro, en el que podéis leer el
significado de cada parte, viene descrita en subtítulos junto al video.
CANTATA BWV 60 DE JOHAN SEBASTIAN BACH
Música
Traducción a español
CONCIERTO A LA MEMORIA DE UN ÁNGEL . ALBAN BERG
9. De esta
escuela surge el Serialismo, que aplica esta “anarquía organizada” también a
otros elementos como el ritmo, la dinámica y el timbre. Así, una vez
establecida la serie original, se aplican retrogradaciones e inversiones de
intervalos, ampliando las posibilidades del compositor de trasponer estas
series en cada uno de los 12 sonidos. Schoenberg rompió por completo con toda
referencia jerárquica a la tonalidad con el llamado Atonalismo. Pese a la innovación,
Schoenberg no se consideraba un vanguardista, sino que afirmaba haber arribado
al atonalismo como una consecuencia inevitable del desarrollo histórico de la
música.
10. La
música del siglo XX se caracterizó por una tendencia Experimentalista, que
pretendía rever de cero sus postulados. Se experimentó con sonidos producidos
por la naturaleza y por las nuevas fuerzas de la electricidad. El
norteamericano Charles Ivés (1874-1954) fascinado por la música al aire libre,
imaginó una marcha en la que dos bandas tocaban músicas distintas y se juntaban
en el centro de un pueblo, desde diferentes lugares. Estas ideas de
multiplicidad, simultaneidad, ruido, silencio y creación de atmósferas, fueron
los elementos sobre los que John Cage (1912-1992) basó luego su piano preparado
o la música aleatoria, así como con la acción musical (happenings).
11. El
Futurismo propone la incorporación de ruidos y máquinas industriales en la
música. Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo experimentan con estos
sonidos y en 1911 proclaman en su manifiesto “el atonalismo, la enarmonía, la
polifonía en sentido absoluto y el ritmo libre”. El suizo Arthur Honegger
(1892-1955) compuso en 1923 la obra “Pacific 231” recreando orquestalmente una
locomotora en movimiento. En 1926 el norteamericano George Antheil (1900-1959)
compuso su “Ballet Mecánico”, que contaba con una orquesta de ocho pianos, ocho
xilófonos, una pianola, dos timbres eléctricos y una hélice de avión.
Manifiesto Futurista: http://es.wikipedia.org/wiki/Manifiesto_Futurista
12. El
húngaro Bela Bartok (1881-1945) se dedica al rescate del patrimonio tradicional
de la Europa Oriental, el cual había sobrevivido a la influencia occidental.
Sentó así las bases de la etnomusicología. A partir de estas danzas y canciones
populares, combina esta experiencia con la música culta occidental (fue alumno
de Liszt) resultando un estilo propio, virtuoso y poderoso. Su obra incluye
música orquestal, coral y de cámara, piezas para piano y ballet. Las novedades
se verifican en el uso de la bitonalidad superpuesta, nuevas disonancias y una
gran complejidad rítmica.
13. Igor
Stravinsky (1882-1971) tomó el folclore y el ballet ruso, creando obras
provocadoras y atrevidas que reinventaron el género. Es reconocido como un
músico cosmopolita, pues su obra abarca toda la variedad estilística de su
época: desde óperas y formas clásicas, hasta pequeñas piezas para piano y jazz.
Fue uno de los compositores más importantes de la música del siglo XX y
considerado como una de las personalidades más influyentes del siglo.
